Stand der Dinge

Zu den Arbeiten der Malerin Charlotte Acklin

(Auszüge)

Diese Malerei hat etwas Aufwühlendes, sie ist Vergegenwärtigung von Expression, Exaltation, Emotion und Sensualität. Alles Gegenständliche liegt ihr fern, aber sie erlaubt der Sehenden das Versinken in Assoziationen, geleitet sie in einen Prozess des Findens auf dem Weg in die Tiefe. Zugleich ist diese Malerei die Vergegenwärtigung malerischer Möglichkeiten, die Suche nach Lösungen für den stets präsenten Widerstreit von Statik und Dynamik, Ruhe und Bewegung, Oberfläche und Untergrund, sie ist der Versuch der Überwindung grundsätzlicher Fragestellungen innerhalb des Genres Tafelbild, in denen sich Linie und Fläche, Farbe und Form gegeneinander zu behaupten haben. Der Widerstreit der Kräfte ist immens, in seiner Schwere wie in seiner Leichtigkeit, in seiner Unbedingtheit wie in seiner Erhabenheit, und er bleibt nicht folgenlos. Aus ihm generieren sich die Produktivkräfte der Malerin, und mich als Betrachterin bestärken diese, als gingen aus ihrer Streitbarkeit die Kräfte in mich über, während ich ihre widerstreitende Wirkung zu ergründen suche. Eine solche Kraftübertragung zu konstatieren, sie als eine Vermehrung, einen Zugewinn zu begreifen, das ist eine wesentliche Erkenntnis über die Malerei Charlotte Acklins, denn es ist eine existentielle Diagnose über die Verfassung ihrer Kunst.

(…)

Und schließlich soll nicht vergessen werden, dass die Malerin auch Filmemacherin ist. Einerseits bewegt sie sich damit in einem völlig anderen technischen Metier mit einem anderen Vorrat an optischen Bedingungen, andererseits sind die Korrespondenzen und Inspirationen, die produktiven Unvereinbarkeiten und bildnerischen Ähnlichkeiten bedeutungsvoll und evident.

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Die dramatische Bewegung im Film, etwa die Geschwindigkeit einer Kamerafahrt, gerinnt im Gemälde zur Stille nach dem Sturm, aber es ist das Wesen dieser aus dem Filmischen geborenen Malerei, dass sie sich mit Ruhe, Statik, Stillstand nicht abfindet. Dagegen steht die sichtbare Geschwindigkeit der malerischen Geste, die Heftigkeit der Tiefenschürfung, das impulsive Auftragen kontrastierender Farben. Der Malgrund wird zur Momentaufnahme eines malerischen Diskurses, wer weiß, vielleicht ist es ein übermaltes Filmstill. Diese Metapher hat umso mehr ihre Gültigkeit, als die Dramatik der Filmsequenz im gemalten Bild ihre Entsprechung findet: dramatisch ist hier der malerische Prozess, das Ringen um Tiefe, um Plastizität, die Evokation von Spannung. Was sich im bewegten Bild als Geschichte, als Psychogramm, als Charakterisierung erkennen lässt, ist hier, in Charlotte Acklins Malerei, die nicht dargestellte, aber immanent thematisierte Repräsentation einer malerischen Idee. Und die könnte heißen: Vergegenwärtigung einer Expression, einer Suchbewegung, Evokation und Überwindung eines immer wieder neu sich einstellenden Zweifels, den Kern eines in Untiefen lagernden Geheimnisses nicht fassen zu können. Das künstlerische Forschungsvorhaben lautet, die Oberfläche des Sichtbaren zu verlassen und in Tiefen zu loten, immer tiefere Tiefen, als wäre der tiefste Punkt je zu erreichen. Das Sichtbarmachen des Unsagbaren könnte man es nennen oder die Repräsentation eines sokratischen Prozesses, dessen Grundbedingung es ist, immer weiter zu fragen, um zu erkennen, dass es für das Wissenwollen kein Ende gibt.

Bettina Blumenberg ist Professorin für Literatur- und Kunsttheorie an der Akademie der Bildenden Künste in München,  © 2018

Eröffnung Freitag,  14. September, 18 – 21 Uhr

Die Künstlerin ist anwesend

15. September – 13. Oktober 2018

 

AS THINGS STAND

On the Work of Painter Charlotte Acklin

(Excerpts)

This style of painting has a disruptive quality; it is the embodiment of expression, exaltation, emotion, and sensuality. While far removed from anything tangible, it permits the beholder to drift into a world of associations and guides them on a process of discovery as they fathom the depths. It is also the representation of artistic possibilities, the search for solutions to the ever-present conflict between stasis and dynamism, tranquility and activity, surface and depth; it is an attempt to transcend fundamental questions within the genre of panel painting that pit lines against surface, and color against form. The conflict between these forces is immense, in its weightiness and in its lightness – in its unconditionality and in its sublimity. This is the source of the painter’s creative powers, which strengthen me as a beholder. It is as though the conflict between the forces is transferred to me as I seek to understand the effect of their antagonism. Acknowledging such a transfer of power – and regarding it as a gain and an enrichment – represents a crucial insight into the painting of Charlotte Acklin, as it constitutes an existential diagnosis about the condition of her art.

(…)

Finally, it is important to note that the painter is also a filmmaker. On the one hand, she is active in a completely different technical discipline with a different set of visual conditions; on the other hand, the interconnections and inspirations, as well as the creative contradictions and artistic similarities, are both meaningful and evident.

(…)

Dramatic movements in film, such as the rapid panning of a camera, solidify into the calm after the storm in a painting. However, it is the nature of this cinematic style of painting that it can never settle for calm, stasis, and torpor. By contrast, we see the visible speed of the artistic movement, the intensity at which the depths are explored, and the impulsive application of contrasting colors. The background of the painting becomes a snapshot of an artistic discourse; perhaps it is even a concealed film still. This metaphor becomes even more pertinent when the drama of a film sequence is reflected in a painted image: here, the drama comes courtesy of the artistic process, the struggle for depth and vividness, the evocation of tension. What is seen in motion pictures as the story, the psychological study, and the characterization is, in Charlotte Acklin’s paintings, the unshown yet intrinsically referenced representation of an artistic idea. This could be the visualization of an expression and a search, the evocation and transcendence of an ever-recurring doubt that the core of a secret is out of reach somewhere in the mighty depths. The spirit of artistic inquiry is about going below the surface of the visible and plumbing the depths, going deeper and deeper as though the deepest point could one day be reached. One might see it as the visualization of the inexpressible or the representation of a Socratic process whose underlying principle is to keep on asking in order to recognize that the thirst for knowledge has no end.

Bettina Blumenberg is Professor of Literary and Art Theory at Akademie der Bildenden Künste (Academy of Fine Arts) in Munich, © 2018

 

Opening Friday  14 September  6 – 9 pm

The artist is present

15 September – 13 October 2018